[揭籍画家]郑利平开拓新境域

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舞动的春风

空高山

丛林已经耗尽了

在当代中国画坛，“60后”的郑立平·君是引人注目的。20世纪90年代中期，他已经在绘画领域脱颖而出。他早期的写意花鸟画非常出色。这主要是由于他从一开始就理解了传统写意的含义，以及他对现实主义思维的理解有所突破，所以他能“直入如来”。

自从1996年李平的个展在中国美术馆举办以来，我就认识了他。四年后，我又在中国美术馆看到了他的第二个个展。他的作品主要继承了现代人的传统，以诗为魂，以书为骨，大放异彩，无拘无束，抒发自己的情感，既高度发展了笔墨，又充满了写意精神，这也使我想起石涛题字中用禅语赞美巴达、等人的一句话:“何从门而入，非一家之宝。”我认为这八个字可以准确地描述黎平绘画的特点。

我记得我曾经写过他的艺术:“黎平的画厚而亮，笔柔而滑。在相似与相异之间找到正确的概念，在图像内部和图像外部获取意义，实现天人感应。强调写作，富有诗意和风格。因此，无论是写南方花木还是画乡村之外的小场景，都可以借鉴先贤的速率，而不是受法律的束缚，尤其是露露和路宏的精髓。心灵是自然创造的，我更感兴趣，而上帝和万物旅行和发送爱的图片，以赢得写意的真正含义。”

我总觉得他的艺术继承了古代文人画的传统，除了以上与写意精神有关的内容外，还有三点可以补充。首先，他倡导并实践了“先知后知”的创作道路，注重树立开放的国际视野，不断提高自身的品格修养，深化作品的文化内涵。其次，他牢牢把握以笔墨为核心的绘画语言，特别注重笔法的千变万化和墨色的变化，这一点在他的《中国绘画的诠释与欣赏》等绘画作品中可以清楚地看到。第三，他注重直接研究前人的原著，努力“审视过去和现在的灵魂”，从而获得了穿越时间空.的经验

在去马尼拉工作之前，黎平的绘画经历了南山时期和云浮时期。在南山时期，他主要研究古人。他最近学习了吴昌硕、齐白石和潘天寿，还远学了常春藤盟校和八大。他的相关绘画笔墨丰富，恣意恣意，表现出一种豪放的风范。在云浮时期，他开始向黄学习，不仅通过他的画，而且通过学习黄的画语录。他的风格也倾向于沉重、冷静、安静和空精神。

来到南阳后，当地宜人的气候、花木的繁盛、跨文化视野中对中国文化精神的理解以及对色彩视觉的深入感知，这些因素促使他的审美视野不断扩大，借鉴前人的范围也逐渐扩大。例如，在现代画家中，朱屺瞻、李平借用了他对色彩的大胆运用。董其昌、王等正统画家也不画花鸟，但李平却能在作品中领悟生命之美、美的真谛，在平和中寻求新奇之美。这些努力有效地促进了他的艺术探索，拓展了黎平绘画的审美视野。

从他的作品来看，他这一时期的花鸟画可以分为两类。一个是描绘花木繁茂的全景，大多很大，布局充分，郁郁葱葱，反映了日本舞蹈的风格和流动的活力。与传统的全景花木相比，它的境界更为广阔，如“花使人欲破禅”。看这类作品的时候，我好像走进了南阳的百花园和百草园。第二，兼收并蓄的特写，大多是打斗的风格，在传统的“折枝”、“丛烟”、“清源”之间变化组合，有的着眼于长远，有的接近精细鉴赏，风格和兴趣各异。或者轰轰烈烈，或者婉约优雅，或者浪漫奔放，或者用浓墨重彩来放大地方的光彩，或者用浅色墨水画半幅清空，但所有这些都充满了向上的生机和生命的气息。他的吴越吉燕楚妃就是这一类型的代表。

仔细研究以上两类作品，可以发现李平的艺术探索大体呈现出三个特点。第一个特点是把生活感受放在写生中。素描有两层含义。古代画家的花鸟画注重物象的生命状态。相比之下，现代绘画中的素描一般指的是描述真实的物体。黎平能够将二者统一起来，通过写生来推动创作，表现出独特的情感，表达出鲜明的情感，体现出丰富的生活感受。比如他的作品《花影东风老枝》，将山野杏花置于青山前的原生态环境中，拓展了境界。

这些由素描滋养的作品表现出鲜明的写意性。同时，这些作品不仅具有被郑板桥批判的所谓写意空的概括，而且丰富了前人的绘画方法，展示了画家自身对自然景物的独特感受和他奇妙的思维智慧。例如:“我过去在南洋渡过饥荒，现在在吕宋晒太阳。”

第二个特征是有底线的“不可能的方法”。所谓的“不可能”意味着打破传统。所谓“不可能的方法”，就是吸取每一种绘画方法的精华，解构其风格体系，化其精华为我所用，这就是禅宗所倡导的“去骨归母”的“八环”之意。在我看来，黎平绘画中的墨色布局与古代不同。乍一看，它看起来很随意，似乎是一些随意的作品，不受任何法律的约束，也不受以前的笔墨程序和各种家庭法的约束。但是，通过深入观察，我们可以发现，他善于召集领导人，认为我有这一点。从表面上看，观众可能感觉不到固定绘画方法的存在，但通过仔细品味，我们可以发现他的作品中处处都有法律意义。

需要指出的是，虽然人们经常把黎平当成写意花鸟画家，但实际上，他的山水画也不错。他去年创作的《春江迷影》融合了黄宾虹和朱屺瞻的风格，厚重而流畅，明亮而清晰的空，笨拙而守旧，简单而不雕琢。在我看来，他的画经常在收敛性中寻求平滑，在断裂中寻求连续，在干燥中寻求平滑，在音乐中寻求直线。在墨的使用上，他不仅强调“七墨”的概念，而且将墨的使用与色结合起来，注重色与墨的互动和互补，墨与骨的相互渗透。他倾向于将简单的色彩与刷洗的水并置在一起，然后营造出きだよ 0/的氛围，这显示了他的写意绘画的丰富表现力。他特别擅长使用累积的颜色，特别喜欢用上面和下面分散的累积颜色来表达强烈的光感，就像背光和花发出的强光一样。

第三个特点是审美意蕴的拓展。审美意蕴的拓展主要分为两个方面，一是客观审美对象，二是主观审美境界，二者密不可分。李平的写意花鸟画拓展了花鸟画的审美内涵。一方面，他追求美和折衷主义。如前所述，他的作品风格要么大胆而诚实，要么空优雅，要么奔放，要么清新而优雅。另一方面，他追求美与美的统一，试图在不同风格的作品中实现不同美的对立统一，如空精神的恣意混乱与冷静的统一，深刻与贫乏的统一，丰富与轻松的统一，悲伤与流畅的统一。因此，他的作品似乎既有红蓝宝石的晶莹色彩，又有淡淡的烟霞的空灵色彩。

李平几年前说过，创新就是在继承中国传统绘画语言的基础上，拓展绘画材料、表现手法和审美视野。这不仅是他艺术实践的总结，也是他的艺术目标。他的绘画注重笔墨的精致，因此他可以凭借自己的写生直觉，避免走向现实主义，跳出前人的窠臼。他的画可以使我心底的光芒在墨色的反射下闪现，但他们并不急于建立自己固定的面孔，并继续积极而冷静地稳步前进。我认为他在画家中还很年轻，如果他继续努力，他会取得更惊人的成就。

(薛永年:中央美术学院教授、中国美术家协会理论委员会主任)

来源：揭阳新闻