& # 91；发现书籍的画家]郑立平开拓新领域

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跳舞的春风

空高躺在山上

丛林已经精疲力竭了

在当代中国画坛，“60后”郑立平·君是引人注目的。在20世纪90年代中期，他已经在绘画领域脱颖而出。他早年的写意花鸟画非常出色。这主要是由于他从一开始就理解了传统写意的含义，并突破了对现实思维的理解，所以他可以“直进如来”。

自从李平1996年在中国美术馆举办个展以来，我就认识了他。四年后，我又在中国美术馆看到了他的第二次个展。他的作品主要继承了现代人的传统，以诗为魂，以书为骨，大放异彩，无拘无束，抒发自己的情感，不仅高度发展了笔墨，而且充满了写意精神，这也让我想起了石涛用禅语赞美巴达·任山等人的题字:“何出门非家宝”。我认为这八个字可以准确地描述黎平绘画的特点。

我记得我曾经写过他的艺术:“黎平的画又厚又亮，笔又醇又滑。在相似与相异之间找到正确的思路，取象内外之意，实现天人感应。注重写作，富有诗意和风格。因此，不管是写南方花木还是画国外的小场景，都可以从先贤那里取到率，而不是受法律的约束，尤其是露露和路宏的精华。心灵是由自然创造的，我更感兴趣，而上帝和事物旅行和发送爱情图片来赢得写意的真正含义。”

我总觉得他的艺术继承了古代文人画的传统，除了以上与写意精神有关的内容外，还有三点可以补充。首先，他倡导并实践“先知后艺”的创作道路，注重建立开放的国际视野，不断提高自身的品格修养，深化作品的文化内涵。其次，他牢牢把握了以笔墨为核心的绘画语言，特别关注了千变万化的文笔和笔墨色彩，这一点在他的《国画解读与鉴赏》等绘画作品中可以清晰地看到。第三，他注重直接研究前人的原创作品，努力“看过去和现在的灵魂”，获得了穿越时间空的经验。

在去马尼拉工作之前，黎平的绘画经历了南山时期和云浮时期。南山时期，他主要研究古人。他最近学习了吴昌硕、齐白石和潘天寿，并在很远的地方学习了常春藤盟校和八大。他的相关绘画笔墨丰富，恣意恣意，表现出一种豪放的风范。云浮年间，他开始学习黄的绘画，并学习他的《黄画语录》。他的风格也倾向于沉重、平静、安静和空精神。

来到南阳后，当地宜人的气候、繁花似锦的花草树木、跨文化视野中对中国文化精神的理解以及对色彩视觉的深入感知，这些因素促使他的审美视野不断扩大，借鉴前人的范围也逐渐扩大。例如，在现代画家中，朱屺瞻、李平借用了他对色彩的大胆运用。又如董其昌、王等正统画家，他们也不画花鸟，但黎平却能在作品中领悟生命之美和美的真谛，在平和中寻求新奇之美。这些努力有力地促进了他的艺术探索，拓展了李平绘画的审美视野。

从他的作品来看，这一时期的花鸟画可以分为两类。一个是描绘花木繁茂的全景，大多是大型的，充满布局，郁郁葱葱，欣欣向荣，反映了日本舞蹈的风格和流动与活力。与传统的全景花木相比，它的境界更广，如“花使人欲破禅”。在看这类作品的时候，我似乎走进了南阳的花园，那里有很多花草。第二，折衷的特写，其中大部分是战斗风格，在传统的“折枝”、“丛岩”和“清源”之间变化和结合，其中有些着眼于长远，有些接近精赏，具有不同的风格和兴趣。或苍劲雄壮，或优雅飘逸，或浪漫奔放，或用强烈的色彩来放大局部的光彩，或用浅色的墨水画出半片清晰空的叶子，但它们都充满向上的生命力和生命的气息。他的武燕楚妃就是这种类型的代表。

仔细研究这两种作品，可以发现李平的艺术探索大体呈现出三个特点。第一个特点是把生活的感觉放在素描中。素描有两层含义。古代画家的花鸟画关注对象的生活状态。相比之下，现代绘画中的素描通常是指描绘真实的物体。黎平能够将二者统一起来，通过写生来推动创作，表现独特的情感，表达鲜明的情感，体现丰富的生活感受。例如，他的作品《东风花影旧枝》将山野杏花置于青山之前的原生态环境中，拓展了境界。

这些素描滋养的作品表现出鲜明的写意性。同时，这些作品不仅具有郑板桥所批判的所谓写意空一般性，而且丰富了以往的绘画方法，表现了画家自己独特的自然景物感和奇妙的智慧。例如，“我过去在南洋渡过饥荒，现在我在吕宋晒太阳”。

第二个特点是有底线的“不可能的方法”。所谓的“不可能”意味着打破传统。所谓“不可能的方法”，就是吸取每一种绘画方法的精华，解构其风格体系，化其精华为我所用，这就是禅宗所倡导的“去骨归母”的“八环”的含义。在我看来，黎平绘画中的笔墨和色彩布局与近代有所不同。乍一看，它看起来很随意，似乎是一些随意的作品，不受任何法律的约束，也不受以前的笔墨程序和各种家庭法律的约束。但是，通过深入观察，我们可以发现，他善于聚集领导，认为我有。从表面上看，观众可能感觉不到固定绘画方法的存在，但通过仔细品味，我们可以发现他的作品处处都是法律意义上的。

应该指出的是，虽然人们常常把黎平看作是一个写意花鸟画家，但实际上他的山水画也是不错的。他去年创作的《春江的影子》是黄和风格的结合。它厚重而流畅，明亮而清晰空，笨拙而守旧，简单但不雕琢。在我看来，他的画经常在收敛性中寻求平滑，在断裂中寻求连续性，在干燥中寻求平滑，在音乐中寻求直线。在用墨方面，他不仅强调了“七种墨”的概念，而且将墨与色结合起来使用，注重色与墨的相互作用和互补，墨与骨的相互渗透。他倾向于将简单的颜色与毛笔水并置，然后创造一种密集的空空间感，这显示了他的写意的丰富表现力。他特别擅长使用堆积色，特别喜欢用上面和下面分散的堆积色来表达强烈的光感，从背光和花朵发出的强光来看都是如此。

第三个特点是审美意蕴的拓展。审美意蕴的拓展主要分为两个方面，一是客观审美对象，二是主观审美境界，两者密不可分。李平的写意花鸟画拓展了花鸟画的审美内涵。一方面，他追求美和折衷主义。如前所述，他的作品风格要么大胆而诚实，要么优雅，要么奔放，要么清新而优雅。另一方面，他将美与美的追求结合在一起，试图在不同风格的作品中实现不同美的对立统一，如恣意的困惑与冷静空精神的统一，深刻与稀疏的统一，深刻与轻盈的统一，悲伤与轻盈的统一。因此，他的作品似乎既有晶莹的红蓝宝石色，又有轻烟轻雾的缥缈色彩。

李平几年前说过，创新是在继承中国传统绘画语言的基础上拓展绘画材料、表现手法和审美视野。这不仅是他艺术实践的总结，也是他的艺术目标。他的绘画注重笔墨的精致，所以他可以避免走向现实主义，凭借他的写生直觉跳出前人的刻板印象。他的画能使心底的光在笔墨和色彩的反射下闪烁，但他们并不急于建立自己固定的面孔，并继续积极而冷静地稳步前进。我认为他在画家中还很年轻，如果他继续努力，他会取得更惊人的成就。

(薛永年:中央美术学院教授、中国美术家协会理论委员会主任)

来源：揭阳新闻